Arkkitehtuurigrafiikan näyttely "Vain Italia!" On avoinna yleisölle Tretjakovin gallerian suunnittelurakennuksessa. Puolet näyttelystä koostuu Sergei Tchobanin säätiön kokoelman esineistä, puolet piirustuksista Valtion Tretjakovin galleriasta ja jotkut muut - neljän nykytaiteilijan-arkkitehdin: Maxim Atayantsin, Sergei Kuznetsovin, Mihail Filippovin ja Sergein teokset Tchoban.
Näyttely on aivan hämmästyttävä monista syistä. Ensinnäkin korkealaatuinen arkkitehtuurigrafiikka on itsellesi tarkoitettu materiaali. Sen tutkiminen arkilta arkille, kiharoiden, varjojen, henkilökunnan ja järjestyksen yksityiskohtainen tutkiminen on täydellinen ilo.
Toisaalta ei voida sanoa, että arkkitehteja näytetään usein Tretjakovin galleriassa. Niitä ei melkein koskaan näytetä siellä. Ja tässä - näyttely yhdisti paitsi gallerian varastoista peräisin olevat asiat, myös ne, joilla on vähän mahdollisuuksia tulla esille muulla kertaa, ja Tchoban-rahaston kokoelmasta Berliinissä. Kaiken keskellä, kuten luomisen kruunu, ovat nykyaikaisten arkkitehtien piirustukset.
Näyttelyn suunnittelu kuuluu SPEECH-toimistolle ja Sergei Tchobanille, joka järjesti aikalaistensa (myös omansa) teokset pienessä rotundasalissa; häntä ympäröivässä galleriassa on esillä 1900-luvun grafiikkaa; etäisyydellä, vielä kahdessa suorakaiteen muotoisessa tilassa, on esillä 1700--1900-lukujen arkkia, jotka on jaettu kahteen osaan: "Teeman syntymä" ja "Rossika" (ulkomaalaisten teokset Venäjällä). Siten kronologia eroaa ympyröissä näyttelyn tilassa tai tarkemmin sanottuna lähentyy menneisyydestä nykypäivään: jotain ympyröiden kaltaista veden päällä, vain päinvastoin.
On huomattava, että SPEECH kehittää melko johdonmukaisesti pyöreän salin motiivia näyttelysuunnittelussa: riittää, että muistetaan ArchMoscowin näyttely "Graafisen taiteen museo" vuonna 2013 (jolloin Berliinin graafinen museo ei ollut vielä auki), tai kaksi mallia Venetsian paviljongin näyttelystä Venetsian arkkitehtuuribiennaalissa: Vyshny Volochokin kaupungin viehättävä diorama vuonna 2010 ja "Pantheon" QR-koodeista 2012, äskettäin
luotu Zaryadyessä. Pyöreät salit ovat melko harvinaisia nykyaikaisia näyttelyitä suunniteltaessa - rotunda-tila ei ole kovin kätevä näytteillepanoon, koska se pyrkii ylittämään näyttelyesineet ja näyttämään itsessään tärkeämmiltä ja arvokkaammilta. Se on temppeli, ei museo, keskittymispaikka tai edes palvelu.
Tätä kierroksen laatua korostetaan ja käytetään ripustuksessa. Uuden ajan grafiikat näytetään kaikkien museonäyttelysääntöjen mukaisesti ja kunnioittavasti. Vasemmanpuoleisessa kiertotilassa grafiikkalevy lakkaa olemasta itsearvoinen ja siitä tulee avaruuspiirroksen alempi osa. Atayantsin, Kuznetsovin, Filippovin, Chobanin arkit ripustetaan kahteen riviin kiinnittämättä huomiota jokaiseen yksittäiseen teokseen museoarvona (kiertogallerian 1900-luvun grafiikat toimivat siirtymänä, pyörre itse poistaa museon jo tiukkuus).
Lausunnon merkitys on riittävän selkeä. Moderni grafiikka ei ole aivan näyttely täällä, vaan pikemminkin julistus sen olemassaolosta - tehtävästä jatkaa ja elvyttää klassisen piirustuksen perinne. Se on osa kuvitteellista taidetemppeliä, kun taas historiallinen kokoelma on jotain sen sakristeusta, arvokkaiden yksilöiden arkisto.
On ominaista, että muovinen sisustus, joka tulkitsee niin hienovaraisesti näyttelyn sisällön, pysyy klassikkokielen puitteissa. Täysin ilman tilausta, mutta yksityiskohdat ja tilakokemukset lisätään pyöreään saliin todelliset graafiset arkit. Ne ovat hänen lyhytaikainen arkkitehtuuri. Tarkastellaan esimerkiksi Pantheonin pyöreää sivua, joka on muotoiltu siististi piirretyllä sokkelialustalla: "pantheon pantheonissa" jatkaa aloitettua peliä edelleen kuvitteellisessa tilassa graafisen arkin tason takana.
Sanottuun on vielä lisättävä, että näyttely, joka alkaa 1700-luvun "perustajista", tutkii edelleen venäläistä perinteitä ihailla Italiaa, ja lähempänä 21. vuotta osoittautuu, että tämä perinne on hankkinut täällä joitain täysin erityispiirteitä, vailla ihailua ja hyvässä mielessä pakkomielle, jonka salin temppelin muoto vangitsee niin hienovaraisesti. Kukaan ei tunnusta antiikkiesineiden tutkimusta niin vilpittömästi kuin Maxim Atayants; kukaan ei ajattele, että hänen arkkitehtuurinsa syntyy vesiväreistä, kuten Mihail Filippov; kukaan ei ole niin sitoutunut arkkitehtuurigrafiikan tyylilajin sisäiseen arvoon kuin sen museon luonut Sergei Tšoban ja jatkuvasti ulkoilmaan menevä Sergei Kuznetsov. Yhdessä tulos on heterogeeninen, mutta varmasti ainutlaatuinen ilmiö.
Puhuimme kaikkien neljän nykyaikaisen salin näytteilleasettajan kanssa.
Sergey Choban Archi.ru:
Onko tämä todellakin suurin näyttely arkkitehtonisista piirustuksista, jotka on tehty säätiönne kanssa tällä hetkellä?
Sergey Choban:
- Mielestäni kyllä. Sekä esiteltyjen teosten lukumäärän että katsauskauden mukaan tämä on suurin näyttely. Tässä ovat loistavien Länsi-Euroopan kirjailijoiden, 1700-luvun arkkitehtonisen piirustuksen koulun perustajien teokset ja valtava määrä grafiikkaa merkittäviltä venäläisiltä taiteilijoilta ja arkkitehdeiltä, jotka työskentelivät aktiivisesti tässä yhteydessä.
Säätiönne järjestämät arkkitehtonisen grafiikan näyttelyt ovat jo muotoutumassa tietyssä järjestyksessä. Onko olemassa yleissuunnitelma, kehitysvektori vai keksitäänkö juoni uudelleen joka kerta?
S. Ch.: Yleensä joka kerta, kun se keksitään uudestaan, vaikka meillä on tiettyjä periaatteita. Pyrimme erityisesti työskentelemään tunnettujen museolaitosten kanssa. Yksi seuraavista projekteistamme on yhdessä wienilaisen Albertinan kanssa. Tohtori Schroeder [Albertina-museon johtaja Wienissä - Archi.ru] oli Berliinin museomme salissa ja ilmaisi halunsa tehdä yhteinen projekti - olemme siitä erittäin iloisia ja ylpeitä tästä ehdotuksesta. On myös muita projekteja.
Suunnitteilla on työskennellä Shchusevin arkkitehtuurimuseon kanssa, mielestäni tämä on erittäin tärkeää.
Olet keräilijä, graafikko, suunnittelija, arkkitehti - miten tämä liittyy toisiinsa?
S. Ch.: Minusta tuntuu, että nämä ovat saman ammatin eri linkkejä. Historiallisessa yhteydessä arkkitehdit olivat myös taiteilijoita; he eivät harjoittaneet vain pääomarakennuksia, vaan myös lavassuunnittelua, teatteriesityksiä.
1900-luvulle asti arkkitehdeillä ei ollut valokuvaa …
S. Ch.: Mielestäni valokuvalla ei ole samoja tavoitteita kuin arkkitehtonisella piirustuksella. Piirustus kuvaa ihmisen luovuuden tärkeimmän osan - arkkitehtuurin, jonka ihminen luo luonnon avaruuteen.
Samaan aikaan Maxim Atayants ja Mikhail Filippov tekevät klassista arkkitehtuuria, mutta sinä et
S. Ch.: Tietenkään ei, tämä ei liity suoraan tekemäämme arkkitehtuuriin. Minusta tuntuu, että arkkitehtuurin tutkiminen piirtämällä voi johtaa täysin erilaisiin tuloksiin: se on mittasuhteiden, paikkatehosteiden, kankaan ja yksityiskohtien tutkiminen. Ei turhaan, että nykyään paitsi venäjän kielellä myös monissa eurooppalaisissa kouluissa piirtämiseen kiinnitetään jälleen paljon huomiota, koska vain piirtämisen avulla näet, kuinka eri rakenteiden materiaalit yhdistyvät toisiinsa, miten pienimpien yksityiskohtien kangas virtaa toisiinsa.
Piirustuksesi näyttelyissä ovat aina hyvin valmiita teoksia, jotka ovat peräisin luonnosta. Miksi et näytä luonnoksia?
S. Ch.: Ensinnäkin tämän näyttelyn teema on varsin selvä, se ei tarkoita mitään muuta. Toiseksi piirustusten on oltava itsenäisiä. Luonnoksilla ei ole aina tätä laatua.
Kasvavatko maalauksesi enemmän kokoelmastasi vai arkkitehtuuristasi?
S. Ch.: Luulen, että kokoelma kasvoi loppujen lopuksi piirtämisestä. Ja suuri osa arkkitehtuuristani kasvaa piirtämisestä. Se ei vain kasva suoraan. Ei ole mitään sellaista, että piirrät muinaisen ajan rakennuksen ja suunnittelet sitten jotain vastaavaa. Sitten suunnittelet jotain muuta, koska avaruuden kehityksen lait ovat erilaiset.
*** Onnistuimme esittämään kolmelle muulle näyttelyn osallistujalle saman, tässä tapauksessa tärkeän, kysymyksen: eroavatko heidän grafiikkansa historiallisesta, ja jos on, niin miten.
Maxim Atayants
Kuinka grafiikkasi eroaa täällä näyttelyssä esitellystä historiallisesta?
M. A.: Grafiikka on täällä niin erilaista … Minusta tuntuu, että neljä nykyaikaista näytteilleasettajaa eroavat toisistaan melkein yhtä paljon kuin ne, jotka ripustavat tämän näyttelyn muissa salissa.
Aikakaudet ovat erilaisia. Moderni grafiikka ei voinut olla vaikuttamatta modernin valtava visuaalinen redundanssi. Kahden viime vuoden aikana maailmassa on otettu enemmän valokuvia kuin koko edellisessä historiassa ensimmäisen daguerotyypin jälkeen. Visuaalisen redundanssin paine pakottaa meidät käsittelemään piirustusta eri tavalla ja vetämään sieltä jotain, mitä ei sanota valokuvassa. Olen melko ammattimainen valokuvaaja, joten on tärkeää verrata näitä asioita. Mutta pelkään harkita tarkoituksellisesti tätä aihetta, koska piirustuksen ja valokuvan tehtävä on sama … Haluaisin jotenkin ilmaista iloni ja innostukseni näiden rakennusten tapaamisessa. Todennäköisesti Quarenghi ratkaisi samat ongelmat. Ja tulos on erilainen, koska aikakausi on erilainen. Kuinka muuten vastata tähän?
Miksi et vain valokuvaa, vaan myös piirtää?
M. A.: Mutta tähän voin helposti vastata. Koska mukana on erilaisia mekanismeja. Piirustus on tapa oppia, ainoa ihmisen toiminta, jossa aivot, silmä ja käsi ovat samanaikaisesti mukana yhtä voimakkaasti. On mahdotonta viettää tunti harkiten ja keskittyvästi katsomalla jotakin arkkitehtuurikappaletta, jos et maalaa. Tämä on tapa oppia.
Otamme kuvia muille jaettavaksi ja piirtävät itsellemme. Assimilaatioon. Ainakin minun tapauksessani.
Oletko koskaan maalannut valokuvasta?
M. A.: Tietenkin, kuten mikä tahansa Taideakatemiassa opiskellut idiootti, piirsin valokuvista yöllä, kun esimerkiksi minulla ei ollut aikaa täydentää lukutyötäni. Sitten minusta tuntui, että se oli helpompaa. Yritän nyt olla tekemättä tätä, koska tämä on prosessin merkityksetön jäljitelmä. Mielestäni piirustuksen tarkoitus on ottaa elämästä.
Kun piirrän, ymmärrän jotain, tämä prosessi on syvä. Miksi yksinkertaistaa sitä samalla, kun yrität saada saman tuloksen halvalla? Tai ulkonäöltään sama. Niissä tapauksissa, joissa sinulla ei ollut aikaa lopettaa paikan päällä, joskus tietysti kurkistat valokuvaa … Mutta tämä on toissijaista. On hämmästyttävää, että nyt on paljon vaikeampi ja pidempi piirtää valokuvasta kuin luonnosta. Se on totta.
Sergei Kuznetsov
Kuinka grafiikkasi eroaa täällä näyttelyssä esitellystä historiallisesta?
S. K.: Sanon nöyrästi, ettemme voi tehdä sitä. Olen iloinen Maxim Atayantsin teoksista, joka löysi resurssin itsestään, pystyi sukeltamaan sisään ja menemään eri yksityiskohtiin - on selvää, että vaikea ei tarkoita hyvää, mutta ei yksinkertaisesti tarkoita pahaa - mutta silti, mitä korkeuksia vanhat mestarit saavuttivat, ja kärsivällisyydessä, kovassa työssä ja silmissä - tämä on hämmästyttävää. Meidän on opittava … katson edelleen kadehdittavasti tässä esitettyä grafiikkaa; Tällaisen taiton hallitseminen olisi tietysti hienoa.
Tarkoittaako klassisen arkkitehtuurin piirtäminen pyrkimystä rakentaa klassista arkkitehtuuria?
S. K.: Ei, se ei tarkoita lainkaan. Klassisen arkkitehtuurin piirtämistä ei pitäisi yhdistää klassisen arkkitehtuurin suunnitteluun, aivan kuten Kolmen muskettisoturin lukeminen ei tarkoita, että olet valmis kääntämään miekkaa huomenna.
Kuinka sitten arkkitehtuuri ja maalaaminen liittyvät sinuun henkilökohtaisesti?
S. K.: Tässä mielessä olen vanhan koulun ihminen, arvostan perustaitoja. Minusta tuntuu, että arkkitehtuurin tekeminen ei ole muuttunut eikä sen pitäisi muuttua: ihmisen on siirrettävä ajatuksia, aistimuksia, tunteita itsensä läpi - tietokone ei salli kaiken ilmaisemista. Pidin syvästi ja vakavasti tietokonegrafiikasta, minulla oli paljon julkaisuja ja näyttelyitä, tämä antaa minulle mahdollisuuden verrata työtä kädelläni ja silmilläni - ja työskentelyä tietokoneen kanssa. Kun hallitset kättäsi ja pystyt kuvaamaan pääsi omalla kädellä, se auttaa sinua henkilökohtaisesti ja toimii myös vakuuttamisen välineenä.
Miksi et näytä luonnosgrafiikkaa?
S. K.: Tässä tapauksessa se ei olisi tarkoituksenmukaista … Tämä ei ole tietoinen kanta; tulee olemaan ehdotuksia - näytteillemme. Yleisesti ottaen tämä ei ole totta, me näytämme sen - Arkkitehtuurissa "vuoden arkkitehdin" näyttelyssä meillä oli luonnospiirustus. Meillä on paljon laadukkaita luonnoksia. Käsikirjoitukset eivät mielestäni yksinkertaisesti kiinnosta yleisöä. Yleisesti sanoisin, että yleisön kiinnostus mihinkään teokseen on suoraan verrannollinen siihen investoidun työn määrään.
Kuinka aloitit historiallisen arkkitehtuurin piirtämisen?
S. K.: Aloin piirtää kauan ennen opiskelua. Vanhempani eivät olleet millään tavalla sidoksissa taiteeseen tai arkkitehtuuriin, mutta minua kiusasi erilainen luovuus, prototyyppien tekeminen, piirtäminen, joten pääsin valmisteleville kursseille Moskovan arkkitehtoniseen instituuttiin. Sittemmin en ole lopettanut maalaamista; vaikka instituutin jälkeen oli tauko, kun en enää harjoittanut manuaalista, vaan tietokonegrafiikkaa.
Myöhemmin, aloittaessani työskennellä Sergei Tchobanin kanssa, jossain noin vuonna 2006, ehdotin, että hän matkustaa eri kaupunkeihin, piirtää arkkitehtuuria. Siitä lähtien matkustamme säännöllisesti useita kertoja vuodessa maalaamaan arkkitehtuuria. Ensimmäinen matkamme Rooman ulkoilmaan oli esimerkiksi Piranesin jalanjäljissä.
Mikhail Filippov
Kuinka grafiikkasi eroaa täällä näyttelyssä esitellystä historiallisesta?
M. F.: En voi vastata tällaiseen kysymykseen. Voin kertoa teille, kuinka arkkitehtuurigrafiikka eroaa arkkitehtonisesta maisemasta. Olen ollut Taiteilijaliiton jäsen 30 vuoden ajan ja olen esiintynyt taiteilijana monissa paikoissa, mukaan lukien Tretjakovin galleria ja Venäjän museo. Minulle tämä kysymys on täysin selvä. Esivanhempiemme harjoittama arkkitehtoninen maisema on ennen kaikkea korkealaatuinen piirustus ja taiteellinen lähestymistapa. Valitettavasti suurin osa arkkitehdeista maalaa suosikkikohteensa pienenä perspektiivinä eikä maisemana.
Neuvostoliiton aikana työskentelin jopa Taideakatemian sopimusten alaisena puhtaana maisemamaalarina. Perestroikan aikana serovilaiset tulivat valtaan siellä - suurin osa heistä on hyviä taiteilijoita, realisteja, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Vahvaa, teknistä grafiikkaa oli myös siellä.
Muu Neuvostoliiton grafiikka kehittyi arkin modernistisen organisoinnin suuntaan: esimerkiksi jos vesi on kevyt, se on kirjoitettu kokonaan valkoiseksi ja niin edelleen. Kun aloin kirjoittaa, ajattelin enemmän vivahteita, väliääniä; valkoisen yön sävyt, piirustuksen laatu, näkökulman hienovaraisuudet … Tämä teki minusta tuolloin varsin ainutlaatuisen, nämä vanhat ihmiset rakastivat minua kovasti. Työskentelin sopimusten perusteella, tulin ja näytin heille, he tekivät joitain kommentteja - tuntui siltä, että mestarit tarkkailivat minua.
Joten en tunne suurta eroa vanhojen mestareiden kanssa. Jos he eivät tehneet teknistä piirustusta, vaan maisema. Lähestymistapa maisemaan oli kuin taiteilija. Taideakatemian arkkitehtuurinen tiedekunta palkkasi kerralla ne, jotka piirtävät paremmin, ja maalaus - ne, jotka piirtävät huonommin. Ja he antoivat tutkintotodistuksen nimellä "arkkitehtuurin taiteilija" - tämä muotoiltiin siihen asti, kunnes jotkut, en muista tarkalleen, vuotta. En tunne mitään eroa heidän kanssaan, varsinkin kun on kyse vuosisadan alun teoksista. Minua kasvatettiin Ostroumova-Lebedevan teoksista.
Vaikka minusta toinenkin vivahde on mielenkiintoinen - valkoinen yö. Venäjän maisema oli vivahteikas välitiloissa. Esimerkiksi Vasiliev - sula, ei talvea, ei kevät, ei valoa, ei pimeyttä, puolisävy, auringon säde … Maailman maalauksessa ei löydy korkealaatuisia maisemia, joissa olisi kirkkaan sininen taivas ja kirkkaan vehreys! Ehkä Rylovilla voi olla jotain sellaista tai Cezanne, mutta se on jo erilainen.
On käynyt ilmi, että sinulla on kaksi teemaa: arkkitehtoninen maisemasi ja arkkitehtuurisi …
M. F.: Ei! Ei ole eroa. Kaunis arkkitehtuuri tulisi yhdistää luontoon, aurinkoon. Tunnen ja rakastan taidehistoriaa hyvin. 1980-luvulla minulle oli mielenkiintoista jatkaa sitä, mikä jäi lyhyeksi 20-luvulla, kun maalaus alkoi jotenkin muuttua - ehkä erittäin laadukkaaksi - mutta modernismiksi.
Luuletko, että on todellista kasvaa yhdessä?
M. F.: Kyllä, tämä on ehdoton todellisuus. Tämän vuoden tammikuussa luovutin sen - metsät poistettiin 750 tuhannesta neliömetristä asuinrakennuksista.
Sotšissa?
M. F.: Ei vain Sotšissa, Moskovassa on talo marsalkka Rybalko -kadulla. Vakuutan teille, että tämä on vuoden 2001 tyylin ruumiillistuma, jonka keksin 30 vuotta sitten.
Tunnetko tämän maalauksesi ruumiillistumana?
M. F.: Kyllä, kyllä … en näe eroa.
Uskokaa tai älkää, valmistuin Akatemiasta, keksin konseptin ja sen jälkeen otin ensimmäisen kerran harjan ja akvarellin. En kirjoittanut Akatemiassa tai taidekoulussa. Ja jos kirjoitin, on mahdotonta katsoa, mitä tein silloin.
*** näyttely on avoinna 27. heinäkuuta asti (aukioloajat)